Ablogalipsis

The Imaginarium of Dr. Parnassus, Abre tu Mente

2010-07-01T15:40:00.003-05:00

El visionario y siempre controvertido director Terry Gilliam, regresa con una divertida y compleja cinta que no pudo haber sido más fiel a su absurdo estilo que lo ha caracterizado a lo largo de su carrera. Atractiva por ser la última aparición en pantalla del ya fallecido Heath Ledger (“Secreto en la Montaña”, 2005), también resulta interesante el hecho de haber sustituido su ausencia (murió durante el rodaje) con 3 grandes estrellas de Hollywood del calibre de Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell.

El Doctor Parnassus (Plummer) recorre las calles de Inglaterra con su excéntrico espectáculo conformado por su joven asistente, un enano y su propia hija (Cole). A través de un espejo, los espectadores del Imaginario pueden adentrarse en sus propias mentes y explorar los límites de su imaginación. En el camino se encuentran a Tony (Ledger), quien tras sobrevivir al ser colgado gracias a un extraño silbato, se une al espectáculo y da un nuevo giro a las presentaciones. Todo cambiará cuando Mr. Nick (Waits), una especie de Satanás moderno, aparezca para cobrarse una deuda de hace siglos con Parnassus. Una carrera por conseguir almas entre el Doctor y Mr. Nick desatará un caos que revelará el pasado de Tony y el trágico destino que tiempo atrás Parnassus dictó para su hija.

Para los fanáticos de Gilliam, el Imaginario es un redondo trabajo que deja en claro las facultades como autor del director, lo que se conoce como un “fan service”. Desde sus inicios en la serie “Monty Python y el Circo Volador” (1969-1974), mostraba ya su fascinación por romper con las reglas establecidas del contenido visual y literario. Repasando la obra del inglés en los 80’s, nos topamos con películas como “Bandidos del Tiempo” (1981) y “Brazil” (1985), donde el director muestra sus capacidades lúdicas en pantalla y explora los monstruos y fantasías de la mente humana. Ya en la década de los 90’s continúa esta exploración en cintas como “Pescador de Ilusiones” (1993) y “Pánico y Locura en Las Vegas” (1998), donde trabajaría por primera vez con Johnny Depp. Siguiendo esta fórmula, Gilliam nos presenta una película fiel a sus parámetros y que visualmente bien pudo haber sido llevada al 3D por su gran colorido y escenarios fantásticos. Increíblemente, la ausencia de Ledger para la segunda parte de la filmación pareciera haber estado prevista en el guión. La interpretación del personaje de Tony por distintos actores en cada una de los viajes al Imaginario se adapta perfectamente a los tintes fantasiosos y absurdos del filme. Es realmente de aplaudir el recurso utilizado por el director para terminar la producción, la cuál se vio interrumpida varios meses por el deceso del actor con quien años atrás colaboró en “Los Hermanos Grimm” (2005).

Próximo a los 70 años, el director ha retomado un proyecto titulado “El Hombre que Mató a Don Quixote”, que al igual que Parnassus, se vio truncado por problemas con el reparto e inclemencias con el clima. Este proyecto comenzó en el año de 2000 y de él solo quedo un documental titulado “Perdidos en La Mancha” (2002). Ahora que se ha retomado, Robert Duvall (“El Padrino”, 1972) está confirmado en el papel del Quijote y se rumora que podría darse una tercera colaboración con Johnny Depp. El Imaginario cierra con justo honor la carrera de un joven pero gran actor de nuestro tiempo como lo fue Heath Ledger, quien recibió un Oscar póstumo por su papel de El Guasón en “El Caballero de la Noche” (2008) el año pasado.

The Hurt Locker, La Guerra es una Droga

2010-07-01T15:35:00.003-05:00

Kathryn Bigelow (K-19 The Widowmaker) regresa con un película aclamada por la crítica como una de las mejores del 2009 y con nueve nominaciones al premio de la Academia. Partiendo del guión de Mark Boal, quien fuera periodista de guerra en Irak, Bigelow nos entrega una profunda reflexión sobre la guerra, ya que Zona de Miedo no es un filme bélico más. La directora nos adentra en la historia con un acertado prólogo: “El ímpetu de batalla es una potente y muy a menudo letal adicción, pues la Guerra es una droga”.

Corre el año de 2004 en Irak y el sargento William James (Renner) toma el lugar del recién fallecido Matt Thompson (Pierce), como ingeniero encargado de la desactivación de bombas a 39 días del reemplazo de la compañía Bravo. Los excéntricos métodos de James, provocan controversia entre sus compañeros de equipo: JT Sanborn (Mackie) y Owen Eldridge (Camargo). En los días subsecuentes, varios sucesos como, el entablar amistad con un niño irakí y el frente a frente con un hombre bomba, ocasionan un cambio en la manera de percibir la vida del sargento, quien tiene una esposa y un hijo en casa.

La cinta es emocionante de principio a fin. Utilizando el recurso de las cámaras S16mm; zooms agresivos y slow motions en momentos claves, recrean un ambiente de suspenso que nos transmite la desesperación y nerviosismo de los hombres en combate. De igual manera, la composición musical y la mezcla de sonido, son impecables, por lo que técnicamente, Zona de Miedo resulta un producto perfecto.

Recordando largometrajes como Cara de Guerra y Apocalipsis Ahora, ésta obra retrata la obsesión por el combate y la manera en que el hombre se sumerge en él, al punto de volverse adicto y no poder sobrevivir sin la adrenalina que éste transmite. Más allá de justificar la ocupación en Irak, Bigelow critica este hecho inteligentemente con una premisa muy clara: “¿Por qué pelean nuestros hombres?”.

Con un presupuesto de 11 millones de dólares, la directora deja en claro que para crear acción y emoción, no es necesario gastar demasiado, si no saber hacer un buen uso de los recursos. Como reconocimiento a su gran labor, fue condecorada con el premio a mejor trabajo de dirección por parte del Directors Guild of America (DGA). Las apuestas siguen sobre James Cameron (ex esposo de Bigelow) y Avatar. Pero Kathryn y su película, podrían llevarse con suma justicia cualquiera de las estatuillas en los departamentos creativos y técnicos.

Shutter Island, Un Rompecabezas Psicológico

2010-07-01T14:33:00.006-05:00

Martin Scorsese, regresa con una inusual cinta dentro de su filmografía. Se trata de la adaptación de la novela homónima de Dennis Lehane, autor de Río Místico. A través de esta película, el director plantea un interesante ejercicio de atención para el espectador, el cuál, se ve inmerso en un juego psicológico, donde tendrá que unir las piezas de un rompecabezas para la solución del misterio.

Corre el año de 1954 y los ecos de la Segunda Guerra Mundial siguen presentes en la mente de los veteranos cuando Estados Unidos se ve inmerso ya en lo que es la Guerra Fría. Teddy Daniels (Di Caprio) y Chuck Aule (Ruffalo) son dos oficiales federales enviados a la Isla Shutter, una penitenciaría psiquiátrica, para resolver el misterio de la extraña desaparición de la reclusa Rachel Solando, quien fue acusada de ahogar a sus tres hijos. El Dr. John Cawley (Kingsley), jefe de la Isla, brinda una extraña cooperación a Daniels, quien entre sueños y alucinaciones, descubrirá un secreto que cambiará su vida.

Tras habernos acostumbrado a enormes producciones en años recientes, como lo fueron Pandillas de Nueva York (2002), El Aviador (2004) y Los Infiltrados (2006), Scorsese nos trae ésta película de mucho menor escala, en la cuál, como gran aficionado a la cinematografía mundial, nos presenta una serie de homenajes a las películas de misterio de los 50’s, como Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock. De igual manera, con la colaboración del diseñador de producción Dante Ferretti (Sweeney Todd), la película logra un ambiente oscuro que dota de misterio a la historia y nos remite a grandes clásicos del expresionismo alemán, como El Gabinete del Dr. Caligari (1920).

Es entonces, que con los elementos del cine clásico y la tecnología del cine actual, Scorsese nos presenta este “experimento fílmico”, donde, con una historia compleja, nos deja en claro que sigue siendo un gran cineasta que puede brincar de un género a otro, en este caso, el thriller psicológico. Es ya la cuarta colaboración entre el director y DiCaprio, quienes han conformado una extraordinaria mancuerna. Scorsese planea un filme biográfico sobre Frank Sinatra, donde se rumora, volverá a adentrarse en el mundo de la mafia. Por su parte, DiCaprio espera el estreno de su último trabajo El Origen, otro thriller psicológico dirigido por Christopher Nolan (El Caballero de la Noche).

Cine Apocalíptico

2009-05-04T22:52:00.023-05:00

Tras un mes de inactividad en este sitio y en medio de una epidemia llamada "Influenza A H1N1" no hay momento más oportuno para regresar a la escritura con un tema ya clásico en el cine: "Películas Apocalípticas". Seguro vendrán a su mente grandes producciones de ciencia ficción donde bestias épicas (Godzilla, Cloverfield); desastres naturales (El día después de Mañana, Armageddon) o criaturas extraterrestres (El día de la Independencia, La Guerra de los Mundos) amenazan con la integridad de nuestro planeta, pero este no es el tema que quiero abordar. Con esta paranoia colectiva que se vive hoy en día ya a nivel mundial, y donde más de un escéptico suponen una conspiración por parte de los grandes gobiernos, a continuación haré un breve recorrido por 3 de esas películas que nos han creado incertidumbres y temores sobre las problemáticas mundiales, planteándonos situaciones apocalípticas probables tanto en el presente como para en el futuro.

Iré por orden cronológico y comenzaré hablando de la sátira bélica de 1964 "Dr. Strangelove", una película dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada triplemente por Peter Sellers (Mr. President, Mandrake y Strangelove). La película basada en el libro de Peter George nos sitúa en plena guerra fría en la década de los 60's. La crísis de los misiles y la carrera armamentista por llegar al espacio crean un ambiente de tensión y pánico entre las 2 mayores potencias mundiales de ese entonces, E.U.A. y la U.R.S.S. (capitalismo y comunismo respectivamente). La película supone la repentina locura de un general al mando de una base militar americana en el pacífico, y que por cuenta propia decide lanzar un ataque aéreo a distintos puntos estratégicos en territorio ruso bajo la orden de un código secreto que impide dar marcha atrás a tal operación. El problema radica en que si el territorio ruso es atacado, la llamada "Doomsday Machine" (un arma apocalíptica que terminaría con la raza humana) se activaría automáticamente. Ante el inminente ataque, un grupo de líderes militares y políticos, planean la formación de un selectísimo grupo humano que se supone sobreviviría 100 años bajo tierra que se encargaría de repoblar la tierra tras la completa dispersión del compuesto "cobalt-thorium-G" emitido por la "Doomsday Machine". Hacia el final de la película, se muestra al embajador ruso en la sala de guerra del Pentágono tomando fotografías de espionaje dando a entender una posible operación de saboteo a la milicia americana. Esta película fue bastante controversial por el momento en que fue estrenada y los temas que manejaba, ya que en plena guerra fría causaron paranoia pero a la vez gran admiración de la crítica por el manejo cómico y satírico que se le dio a una situación tan delicada y tensa como lo fue la guerra fría, que suponía una amenaza nuclear para la raza humana.

En 1973 aparecería "Soylent Green", dirigida por Richard Fleisher y basada en la novela de Harry Harrison. Esta película es una dura visión al futuro sobre la degradación ambiental y el exceso de población. Supone que en el año 2022 la ciudad de Nueva York estará poblada por 40 millones de habitantes de los cuáles su gran mayoría viven en condiciones deplorabales; amontonados como cerdos y con ningún otro alimento más que el ambiciado Soylent. Como siempre ha sido, existe un diminuto círculo de poder y corrupción con beneficios tales como agua potable, verduras y con mucha suerte hasta un trozo de carne. Robert Thorn (Charlton Heston) es un policía que busca resolver el sospechoso asesinato de uno de los accionistas de la compañía de Soylent, lo cual nos plantea una trama asfixiante y desesperanzada en busca de una verdad que cada vez parece más inexistente en un mundo cruel y decadente. Sol Roth (Edward G. Robinson) es un anciano colaborador de Thorn que vive anhelando un pasado cada vez más lejano y nostálgico en donde la vida era algo humano y hermoso. En un arranque de emociones, Roth decide suicidarse en un lugar llamado "El Hogar" donde se recrea el pasado mediante imágenes visuales, dejando como última voluntad a Thorn que siga el rastro de su cadáver cuando el ya no viva. Tras un largo y duro seguimiento del cadáver de Roth, Thorn descubre un terrible e impresionante secreto sobre el destino de todas las personas y que nos brindaría una de las frases más célebres en toda la historia del Cine:

"SOYLENT GREEN IS PEOPLE!!!"

La película es una fuerte predicción sobre el destino de la humanidad, decadente y pesimista al punto de comernos a los muertos, y que a pesar de su bajo presupuesto fue el punto de partida para posteriores filmes apocalípticos.

Por último, en 1995, el ex Monthy Python Terry Gilliam lanzaría una cinta que hoy en día es objeto de análisis y morbo con toda esta situación de la influenza porcina, así es, la película de la que estoy hablando es "Twelve Monkeys". Esta superproducción nos sitúa en el año 2035, época en la que los humanos viven atrincherados en búnkers subterráneos debido a un terrible virus mortal que en 1996 dejó desierta la faz de la tierra. James Cole (Bruce Willis) es un convicto que sirve como conejillo de indias a los científicos del futuro para intentar regresar al pasado y recolectar la mayor información sobre este virus con el fin de combatirlo y poder volver a la superficie terrestre. Debido a errores de cálculo de los científicos, Cole viaja a 1990 por equivocación donde es capturado y recluído en un hospital mental por afirmar venir del futuro y advertir sobre dicha catástrofe. Durante su estancia en el hospital, Cole entabla amistad con un demente (Brad Pitt) líder de un grupo radical probablemente ecoterrorista que podría ser el responsable del virus desatado 6 años después. Cole logra viajar a 1996, donde con la ayuda de una doctora que logró convencer de su situación gracias a una fotografía de la primera guerra mundial (a donde viajo por un nuevo error de los científicos) logran detectar al verdadero propagador del virus en un aeropuerto. El final es una verdadera joya que en estos tiempos es digno de verse, y para los que ya lo hicieron verla de nuevo.

Las películas apocalípticas son una ventana hacia un futuro que aunque difícilmente posible es moralmente comprendido y temido con todo lo que vemos día a día en las noticias y en la calle. Para concluir quisiera mencionar otras películas apocalípticas de esta línea bastante recomendables:

The Omega Man
Escape from New York
1984
Children of Men
I Am Legend (No me encanto, pero encaja en el tema)

F for Fake

2009-04-13T21:20:00.013-05:00

Orson Welles fue uno de los grandes genios del siglo XX, siempre a la vanguardia, revolucionario y con grandes dotes artísticos y literarios, ha pasado a la historia como quizás el más grande cineasta de todos los tiempos. A sus 23 años se inmortalizó con la mítica transmisión radiofónica de "La guerra de los mundos" a través de la CBS en New Jersey, donde logró conmocionar a la población entera, que con la extraordinaria narrativa de Welles creyó que Estados Unidos se encontraba bajo un ataque extraterrestre en 1938.

Su película "Citizen Kane" de 1941, la cuál escribió, dirigió y protagonizó a los 25 años con la ayuda de la productora RKO, es con suma justicia catalogada por muchos expertos como la mejor película de toda la historia del cine. Su narrativa, uso de cámara, composición cronológica pero sobretodo la controversial historia en que se retrata la biografía de William Randolph Hearst (magnate de los medios de aquellos tiempos) hacen de la película una verdadera joya. Cuenta la leyenda que Hearst hizo uso de sus influencias en los oscares de 1942 para que la película contrario a lo que todos esperaban no ganará (la ganadora fue "How green was my valley de John Ford).En fin no hablaré más de esta película de la que todo se ha dicho.

Ayer por la madrugada presencié la que a mi gusto es la mejor película de Welles, si, mejor que "Citizen Kane", estoy hablando de "F for Fake", artística, divertida, poética y sobretodo fraudulenta. F for Fake no es una película, tampoco un documental como pretende ser, es un nuevo género que en 1974 sentó las bases para una nueva forma de edición en el cine moderno. Al igual que en "Citizen Kane" Welles escribió, dirigió, protagonizó y en este caso también editó (aunque no aparece en los créditos) la cinta que a la postre sería su úlltimo filme tras la lente.

El "documental" nos presenta a Welles como su narrador, disfrazado con capa, sombrero y guantes blancos, como un verdadero mago, o sea, un maestro del fraude y del engaño, totalmente acorde a los temas que se tratan a lo largo del filme. La ironía y genialidad del director que caracterizaban en el un extraño carisma están presentes durante toda su narración, cuestionándonos ideas como ¿Qué es el arte?; ¿Somos lo que aparentamos?; ¿Es una falta de ética el fraude? y demás conceptos genialmente manejados por el creador.

La historia se centra en 2 grandes figuras del fraude y el engaño, el primero de ellos es Elmyr de Hory, un húngaro conocido alrededor del mundo como el mayor falsificador de pinturas del siglo pasado, teniendo entre sus especialidades copias de Modigliani y Matisse. En 1966 fue apresado por actividad sospechosa con criminales más no por fraude o plagio que nunca se le pudo comprobar. El mismo Elmyr asegura haber vendido miles de obras a museos y comerciantes de arte, de las cuales todas las que ofrecía eran vendidas.

La segunda figura que se nos presenta es Clifford Irving, biógrafo de de Hory (Fake!) que tras el progreso de la filmación, fue tomando fuerza hasta volverse un protagónico dentro de la obra. La historia detrás de Irving recae en una biografía que publicó en 1971 sobre el magnate excéntrico y aviador Howard Hughes. La briografía había sido redactada supuestamente durante el tiempo de aislamiento de Hughes en el 9ª piso del Desert Inn en Las Vegas cuando en pleno desorden mental, nadie lo vio durante un largo tiempo y las leyendas urbanas decían que era visto con largas barbas, aterrado por los gérmenes y usando cajas vacías de kleenex como calzado (así es, tal como los Simpson lo parodiaron en el Sr. Burns). La biografía de Irving resultó ser falsa después de muchas investigaciones y juicios que lo llevaron a la cárcel en 1972.

Una tercera historia nos presenta a Oja Kodar, actriz y esposa de Welles quien supuestamente despertara sentimientos de lujuria en el pintor Pablo Picasso que posteriormente la usará de musa para realizar 20 pinturas. El desenlace a esta historia es grandioso, genial, la conclusión de Welles respecto a esta situación es sorprendente y representa un golpe directo a la atención y las expectativas del público.

La película como lo mencione anteriormente cuenta con una edición magnífica y única en su tiempo, comenzando por el tipo de narración del director, que forma parte de la historia sin estar dentro de la misma. Welles aparece en estaciones de tren haciendo trucos de magia, en restaurantes con amigos y en el mismo proceso de edición de la película. Las entrevistas a de Hory e Irving (que se realizaron por separado) están montadas de tal manera que parecieran estar teniendo una conversación juntos. De igual manera, la secuendia de Picasso cuenta con una serie de retratos del pintor simultáneos a las tomas de Oja caminando por la calle que crean un ambiente de espionaje sumamente divertido e intrigante.

Igual que al inicio de su carrera, Orson Welles revolucionó la manera de hacer cine en su última película como cineasta (su carrera como actor continuaría hasta su muerte en 1985). A continuación un poco de poesía de Rudyard Kipling que Welles usó en el guión para reflexionar sobre el arte:

Cuando el rojo del sol naciente cayó sobre

el verde y oro, nuestro padre Adán se sentó

bajo el árbol  y escarbó con un palo en el suelo

Y el primer tosco dibujo que vio el mundo

fue el gozo de su fuerte corazón hasta

que el demonio susurró tras las hojas:

es hermoso, pero, ¿es arte?

La historia es vieja como el árbol del Edén

 y nueva, como un diente de leche

Todo hombre sabe, en cuanto le sale el bigote

que es el dueño del arte y de la verdad

Y cada hombre oye  al llegar el ocaso

el latir de su corazón agonizante

un redoble diabólico en el oscuro ventanal

es hermoso, pero, ¿es arte?

"El valor del arte depende de las opiniones, y las opiniones dependen de los expertos". Orson Welles

Psicologubrick

2009-03-17T22:37:00.018-06:00

Stanley Kubrick fue quizás el más grande director de todos los tiempos, un hombre sumamente perfeccionista, fanático del detalle y obsesionado por tener el control total en todos los procesos de sus películas. Siempre controversial en sus contenidos marcó una nueva forma de hacer y comprender el cine, su compleja forma de pensar y hacer las cosas lo llevaron siempre a cuestionar los límites del razonamiento humano a través de sus obras. A continuación, se presenta un análisis de su obra con el fin de construir un perfil mental del cineasta y comprender así, su manera de ver el mundo y plasmar sus ideas.

Kubrick nació en Nueva York un 26 de Julio 1928, lugar donde pasaría toda su infancia inmerso en libros y partidas de ajedrez. A los 15 años participaría como percusionista de una banda de Swing de su escuela donde ya daba a conocer su perfil melómano (pasión y gran entendimiento por la música) del cuál se hablará más adelante. A los 17 años se ganó fama local al publicar en la revista Look una fotografía sobre la desolación del pueblo americano tras la muerte del entonces presidente F.D. Roosevelt. Continuó como fotógrafo reconocido hasta 1951 cuando realizó su primer trabajo fílmico, “Day of the Fight”, documental sobre un boxeador neoyorquino que lo impulsó a llevar la fotografía a otro nivel, las películas.

Durante la primera etapa de los 50’s, en la que realizó sus primeros trabajos fílmicos, Kubrick experimentó con la iluminación mientras estaba a cargo de la fotografía, pero ya hacia 1954, cuando adaptó la novela “Clean Break” de Lionel White en su thriller “The Killing” (en el que innovaría con una narración extraordinaria rompiendo con el orden cronológico de manera única en su tiempo), Kubrick tuvo grandes discusiones con el afamado cinematógrafo Lucien Ballard (“Laura”, “Grapes of Wrath”) por detalles sobre la fotografía como la iluminación y la posición de la cámara, que incluso orillaron a Kubrick a amenazar a Ballard con despedirlo si no hacía las cosas como se le pedían. Ya entonces se podía apreciar la autoridad de Stanley dentro de sus trabajos, los cuales cuidaba a detalle en cada proceso de elaboración.

Para 1960, tras una experiencia agridulce con “Spartacus”, donde tomó el mando del rodaje tras la deserción de Anthony Mann (“El Cid”, “The Agony and the ecstasy”) por capricho de Kirk Douglas, con quien Kubrick trabajara anteriormente en “Paths of Glory” (película antibélica de la 1ª guerra mundial), Stanley decidió romper relaciones con Douglas, con quien había acordado un trato por 5 películas para MGM, pero que debido a la presión de los productores y de la reputación del actor no le daban a Kubrick control total sobre su trabajo y tenía que cumplir caprichos ajenos, cosa que frustraba muchísimo al director quien se sentía limitado.

En 1962, Kubrick optaría por adaptar la que el mismo llamó su primera película, esto debido al control que tuvo sobre la producción. La película era una adaptación del libro homónimo de Vladimir Nabokov, “Lolita”. Para interpretar a la precoz protagonista de 14 años, Kubrick movió cielo mar y tierra para lograr la participación de la actriz Sue Lyon (“The Night of the Iguana”), inclusive se dice que Kubrick estaba dispuesto a contraer matrimonio con la madre de la actriz con tal de conseguir su presencia. El filme resultó controversial y rechazado por sectores conservadores de la sociedad por lo que tuvo que modificar de gran manera el montaje final, a lo que Kubrick respondió: “De haber sabido las limitaciones jamás la habría hecho”.

Su siguiente paso y muy inteligente fue el poner a prueba las emociones de la sociedad con su sátira de humor oscuro sobre la guerra fría “Dr. Strangelove”, estrenada en 1964, tras la crisis de los misiles entre Rusia y E.U. Con una magnífica actuación de Peter Sellers, quien también colaboró con Kubrick en Lolita, le dio a Kubrick las herramientas para lograr el resultado tan esperado de burla hacia el conflicto nuclear, recibido entre la gente como una genialidad del director por tratar de esta manera un tema tan alarmante como una posible guerra nuclear.

En esta, y sus siguientes 2 películas, Kubrick dio muestra de sus dotes melománicos, en los que haría de la música un actor más de las películas, tan solo recordemos la escena final de Strangelove, en la que usa el tema de Vera Lynn “We’ll meet again”, que con gran dulzura contrarresta las brutales imágenes de explosión nuclear. En “2001”, fue tal su obsesión por dar vida a las imágenes del espacio que rechazó la música de Alex North (Cleopatra, Espartaco) ya en el montaje final para sustituirla por piezas de Strauss y Ligeti que a juicio de Kubrick transmitían el sentimiento que este buscaba en las imágenes obtenidas del rodaje. En Naranja Mecánica se puede hablar quizás de la más bella adaptación visual de la música de Beethoven, donde tras un arduo trabajo de posproducción junto al compositor Walter Carlos y arreglos con sintetizadores, se logró una perfecta sincronía entre Música e Imagen, también fue memorable la escena de la orgía acompañada de la obertura de Guillermo Tell de Rossini acelerada 5 veces a su velocidad normal.

Estas 2 son quizás las obras más trascendentales de Kubrick. En “2001”, Kubrick se obsesionó por el tema del espacio y encontrar el lugar del hombre en el universo, contrató al escritor Arthur C. Clarke con quien escribió en conjunto la obra y el guión en la que Kubrick lleva al espectador por un viaje desde la prehistoria, cuando el hombre descubre la inteligencia, hasta un desconocido futuro en que las máquinas podrían tener inteligencia propia. Fue tal el realismo de la obra, que un año después en 1969, circularon rumores de que Kubrick había montado las imágenes del hombre llegando a la luna. “A Clockwork Orange” de Anthony Burgess es una búsqueda de Kubrick hacia los límites del ser humano, hasta donde puede llegar este y sus consecuencias. La ultra violencia, el sexo y la música son los mayores placeres de un joven en una Inglaterra futurista para la que Kubrick devoró libros de arquitectura a fin de lograr los escenarios que quería, cuidando más que en ninguna otra película detalles de escenografía y vestuario para transmitir el contexto que la novela le evocaba.

“Barry Lyndon” y “The Shining” fueron la cúspide de su obsesión por el detalle. En Barry Lyndon de 1975, tuvo a 35 costureros trabajando durante 6 meses para lograr un vestuario digno del siglo XVIII, además desarrolló una nueva técnica de iluminación con lentes diseñados en un principio para la NASA que le permitieran grabar sin luz artificial en interiores. En “The Shining” de Stephen King, Kubrick se portaba de manera hostil y humillante con la actriz Shelley Duvall, esto para conseguir una verdadera expresión de temor y tensión en la actriz, a lo que la misma Duvall mencionó después del filme: “El fin justifica los medios”. Por otro lado, la escena en que Jack Nicholson persigue a Duvall por las escaleras con un bat de béisbol, se repitió ¡60 veces!, esto porque Kubrick quería que se reflejara la locura y desesperación de repetir lo mismo tantas veces en la cara del actor. Cabe mencionar que una vez más, para la música contó con la colaboración de el ahora transexual Wendy Carlos quien se encargó de mezclar piezas de Lygeti con sonidos ambientales, zumbidos y efectos electrónicos hasta que Stanley quedara satisfecho con el resultado.

Después de “The Shining”, Kubrick se tomó 7 años para la elaboración de su siguiente película (“Full Metal Jacket”) y 12 más para la que sería su última (“Eyes Wide Shut”). Siempre fiel al juego de ajedrez en su infancia, casa e incluso en los sets de grabación con lo actores, Stanley llevó la metodología de este juego más allá, aplicándola a cada movimiento de su vida, pensando las cosas minuciosamente antes de actuar, analizando movimientos futuros y consecuencias posibles, es por esto que se tomaba mucho tiempo entre películas, remarcado en estas últimas dos, un drama sobre los horrores de la guerra de Vietnam y un thriller sobre la vida conyugal, deseos y perversiones que surgen en medio de una relación marital.

Al ser Kubrick un personaje de gran intelecto, visión e innovación en su trabajo, sentía un gran miedo a ser opacado y perder su status de “hegemonía” en lo que hacía, conflicto al que se enfrentó tras el fracaso comercial de Full Metal Jacket que siempre quedó a la sombra de “Platoon” de Oliver Stone (“JFK”, “Talk Radio”) estrenada en 1986, un año antes que la película de Kubrick. Después de este proyecto, Kubrick preparaba una adaptación de los documentos arios de Louis Begley donde retrataría el Holocausto. Para el proyecto Kubrick había visitado locaciones en Hungría, trabajado en el guión e incluso en el vestuario, pero fue en 1993 que apareció “The Schindler’s List” de Steven Spielberg, cinta que preocupó a Kubrick por el éxito comercial que obtuvo y que le recordó su fracaso con Full Metal Jacket tras Platoon y decidió abandonar totalmente el proyecto. Tras la muerte de Kubrick en 1999, Spielberg dirigiría la cinta de ciencia ficción diseñada por Stanley “A.I.”, basada en el cuento Super Toys de Brian Aldiss.

Así fue la obra del director, perfeccionista, obsesivo y excéntrico, a veces hermético y a veces chocante, pero siempre enfocando sus cualidades a un trabajo de calidad. Es claro que Kubrick contaba con un menor o mayor grado de neurosis, su delirio por supervisar y dominar cada mínimo detalle en sus películas fue la clave de su éxito.

Para terminar este Megapost, les dejo la escena de "The Shinig" que se repitió 60 veces, chequen los rostros tanto de Nicholson como de Duvall, son impresionantes.

“The most terrifying fact about the universe is not that it is hostile but that it is indifferent, but if we can come to terms with this indifference, then our existence as a species can have genuine meaning. However vast the darkness, we must supply our own light.”

Stanley Kubrick.

Suñuelismo

2009-03-16T20:13:00.011-06:00

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El Perro Andaluz es un cortometraje de 16 minutos que representa un parteaguas no sólo para la historia del cine, si no para el mundo del arte en general. Luis Buñuel (El ángel exterminador), director, escritor y actor del corto, trabajó en el guión con su colaborador y amigo Salvador Dalí (La persistencia de la memoria). Este trabajo les abrió la puerta a la élite del Surrealismo en ese entonces liderado por el francés André Breton (Manifiesto Surrealista). El filme rompe con las convencionalidades cronológicas entonces establecidas, juega con el uso de metáforas y exhorta al espectador a la libre asociación de ideas. En 1960, se prestaron los derechos de la obra “Tristán e Isolda” de Richard Wagner (La marcha de las Valquirias) para musicalizar la obra junto a un tango argentino.

La famosísima secuencia inicial, presenta al mismo Buñuel afilando una navaja mientras observa en la noche como una nube se entrecruza con la luna. A continuación, Buñuel corta el ojo de una mujer (en realidad una vaca rapada) como analogía de la nube y la luna. El mismo director argumentó la necesidad de causar un shock visual al inicio de la obra para facilitar la libre asociación de ideas en el resto del filme (si empieza de esta manera, se puede esperar cualquier cosa).

Más adelante, tras un salto temporal de 8 años, se presenta una segunda metáfora, cuando a un personaje le brotan hormigas de la mano, brillantemente comparado con una bizarra escena en que una mujer en medio de la calle golpea con un palo una mano amputada, acto al que se acerca una muchedumbre (como hormigas) a presenciar el suceso. Cabe recalcar que tanto la analogía del ojo, como la de las hormigas fueron inspiradas en sueños de Buñuel y Dalí respectivamente.

La parte cumbre de la película es cuando un hombre con un fuerte deseo sexual acaricia los senos de una mujer, la cual amenaza con golpearlo, a lo cual el hombre reacciona queriendo agredirla con dos maderas que se hallan en el suelo, pero al intentar levantarlas, estas están atadas a 2 frailes, que a su vez se hallan atados a dos pianos con burros en descomposición. En lo personal, esto me remite a las imposiciones de la iglesia contra los deseos sexuales, y además, las incógnitas que la iglesia esconde. Por eso se presentan los elementos en ese orden: el individuo con instintos sexuales y de agresividad, la iglesia como institución limitadora, y finalmente tras de ella la corrupción y escándalo (representados por los animales putrefactos).

En otra escena, un hombre es castigado sin razón aparente frente a una pared con los brazos abiertos y sosteniendo libros en cada mano, los cuales repentinamente se transforman en revólveres y de esta manera el hombre asesina a quien lo ha castigado. Tomando en cuenta los libros, el castigo del tipo escolar y los revólveres, esto nos remite a la rebelión contra la autoridad en el ambiente académico. Recordemos que Dalí, Buñuel y García Lorca vivieron juntos durante sus estudios en una residencia de estudiantes en Madrid.

Así es, esta obra, pionera del Surrealismo en el séptimo arte, nos sitúa en una exploración nunca antes viste en el cine de las ideas (tanto en la literatura como en la pintura ya se había experimentado esta corriente). Una vez más recordando la escena inicial, el corte del ojo se entiende como el cegarnos a la realidad e interiorizar más allá de lo que vemos y sentimos. Luis Buñuel fue el primer cineasta en abordar este género que mucho tiempo más adelante sería retomado por directores como Alejandro Jodorowsky (La montaña sagrada) y David Lynch (Eraserhead).

Por último, no esta de más mencionar la influencia de la película en la cultura popular, por mencionar algunos ejemplos, David Bowie mostraba el filme como apertura a sus conciertos durante su gira de 1976; En la portada de El silencio de los inocentes de Jonathan Demme (Philadelphia), aparece la "Acherontia atropos" (araña que parece tener un cráneo en el torso) que aparece en la película.

Así vi Watchmen

2009-03-10T20:09:00.038-06:00

Nota: El siguiente artículo no es una crítica de cine, simplemente es la opinión personal del autor de este blog.

Así es, finalmente este fin de semana llego a la pantalla grande Watchmen, la cual recaudó 55.7 millones de dólares de los 60 esperados. La crítica no ha sido del todo generosa con la película, gente como Peter Travers de Rolling Stone con quien generalmente concuerdo en opiniones calificó la película con 6.3 de 10, lo cual se puede interpretar como una buena película sin mucha trascendencia (Más críticas en el sitio Metacritic). Personalmente creo que el trabajo de Snyder fue increible considerando la complejidad de la historia y sobretodo los escenarios. Era de esperarse que la gente entrara a las salas de cine esperando una película más de superhéroes sin un "background" social que demandará conocimiento de la historia de Estados Unidos en el siglo XX y mucho menos con una duración cercana a las 2:40.

Mi experiencia en la sala fue algo decepcionante al escuchar preguntas entre los espectadores acerca de la trama como: ¿Quién carajos son esos? refiriéndose a Woodward y Bernstein (Delatores de Nixon en el caso Watergate), o ¿Porque tanto rollo con los rusos? (Tomando en cuenta toda la tensión que había en los 80's por la guerra fría), además de notar una clara pérdida de atención a la película a partir de las 2 horas del filme. Creo que estamos bastante acostumbrados a las películas de menos de 2 horas, en fin, me gustaría volver a ver la película para disfrutarla de mejor manera.

Bueno, antes de que esto se convierta en una crítica, solo quiero recalcar 2 cosas sobre la película. La primera es la secuencia inicial en la que se presentan los créditos, la cual no es menos que Magna, la narrativa de esos 5 minutos en que se resume la historia alterna de Estados Unidos desde 1940, cuando los vigilantes se hacían llamar Minutemen (véase la imagen de arriba) hasta mediados de los 80's es impresionante, pasando por eventos como el asesinato de Kennedy y la contracultura de los 60`s, todo esto con el recurso de la cámara lenta y acompañado por la mítica canción de 1964 de Bob Dylan "The Times They Are A-Changin".

Por último, un diálogo entre Edward Blake, "The Comedian" (mi personaje favorito) y Dan Dreiberg, "Nite Owl II", refleja claramente la ironía, falta de escrúpulos y situación social no solo que vive el personaje (Blake), si no que esta presente en toda la película:

The Comedian: God damn I love working on American soil, Dan. Ain't had this much fun since Woodward and Bernstein. Congress is pushing through some new bill that's gonna outlaw masks. Our days are numbered. Till then it's like you always say, we're society's only protection.

Dan Dreiberg: From what?

Edward Blake: You kidding me? From themselves.

Gossip

2009-03-05T19:19:00.032-06:00

Hace 2 semanas fui al cine para ver una de las películas que más estuve esperando en torno a la 81ª entrega del oscar. La película a la que me refiero es ni más ni menos que Doubt, la puesta en escena de una escuela religiosa en la que se presenta un conflicto entre una monja y un sacerdote al cual se acusa de pederastía que se llevó a la pantalla grande bajo la dirección y guionismo del mismo creador de la obra, John Patrick Shanley (The Red Coat).

La película me dejo mucho que desear en términos de producción (Escenarios, Fotografía, etc.) a pesar de contar con una excelente trama y actuaciones de primer nivel, entre las que destacan Philip Seymour Hoffman (Capote, Love Liza) como el padre Flynn y Meryl Streep (Sophie's Choice, The Hours) como la hermana Aloysius. De los actores "del momento" Hoffman es el favorito del autor de este blog (Jack Nicholson es el favorito de siempre), y Streep siempre ha estado en la realeza de las actrices.

La película se resume como un continuo debate entre Aloysius y Flynn en que la primera trata de poner en evidencia al segundo de un crimen del que ni siquiera esta segura que este ha cometido. Durante uno de los sermones de Flynn, este decide tocar el tema del "rumor" audazmente, en el que expresa de manera implícita a la hermana Aloysius lo que esta provocando con su sospecha. En lo personal está escena es cumbre, dura, directa, perfecta. Después del salto les dejo un fragmento del guión original de Shanley donde podrán leer el sermón de Flynn.

A woman was gossiping with a friend

about a man she hardly knew--I

know none of you have ever done

this--that night she had a dream. A

great hand appeared over her and

pointed down at her.

She was immediately seized with an

overwhelming sense of guilt.

The next day she went to

confession.

She got the old parish priest,

Father O’Rourke, and she told him

the whole thing. “Is gossiping a

sin?” she asked the old man. “Was

that the hand of God Almighty

pointing a finger at me?

“Should I be asking your

absolution? Father, tell me, have

I done something wrong?”

“Yes!” Father O’Rourke answered

her.

“Yes, you ignorant, badly brought-

up female! You have borne false

witness against your neighbor, you

have played fast and loose with his

reputation, and you should be

heartily ashamed!”

So the woman said she was sorry and

asked for forgiveness. “Not so

fast!” says O’Rourke. “I want you

to go home, take a pillow up on

your roof, cut it open with a

knife, and return here to me!”

So the woman went home, took a

pillow off her bed, a knife from

the drawer, went up the fire escape

to the roof, and stabbed the

pillow.

Then she went back to the old

parish priest as instructed.

“Did you gut the pillow with the

knife?” he says. “Yes, Father.” “And

what was the result?” “Feathers,”

she said. A world of feathers.

“Feathers?” he repeated. “Feathers

everywhere, Father!”

“Now I want you to go back and

gather up every last feather that

flew out on the wind!”

“Well,” she said, “it can’t be

done. I don’t know where they went.

The wind took them all over.”

”And that!!!,” said Father O’Rourke,

“is gossip!”

¿Quién vigila a los vigilantes?

2009-03-03T21:41:00.053-06:00

Para todos aquellos que todavía no saben lo que es Watchmen ni que esperar de la película, dedicaré las siguientes líneas para introducir en términos generales esta impresionante obra gráfica próxima a estrenarse en la pantalla grande este Viernes 6 de Marzo del 2009.

Todo comenzó en 1986, el año que le dio su único oscar a Paul Newman (The colour of money) y vio nacer un nuevo género musical con la fusión de Aerosmith y Run DMC (Walk this way) cuando el celebérrimo escritor de cómics Alan Moore (V for Vendetta, Constantine) y el extra odinario artista gráfico Dave Gibbons (Superman, Green Lantern) sumaran fuerzas para publicar la única novela gráfica ganadora del premio Hugo (galardón otorgado a los escritores de ciencia ficción y fantasía). En un principio Moore y Gibbons planeaban reunir a los personajes de la entonces recién absorbida por DC (Batman, Superman) "Charlton Comics", pero a final de cuentas Moore optó por inspirarse ligeramente en estos personajes para dar vida a un nuevo reparto.

La historia nos sitúa en 1985 un Estados Unidos alterno y apocalíptico, Richard Nixon sigue en la presidencia y se sugiere la muerte de los periodistas Bob Woodward y Carl Bernstein (Delatores del caso Watergate, véase All the president's men) por orden del mismo Nixon. La tensión por la guerra fría esta en su punto máximo, la gente se prepara para una inminente guerra nuclear que probablemente conlleve hacia el fin de los tiempos.

Ahora, que hace a Watchmen tan especial???, comenzemos por establecer que los protagonistas de la historia no cuentan con súper poderes mayores a un arduo entrenamiento corporal (a excepción del Dr. Manhattan), además que la trama nos ubica en sus conflictos éticos y defectos más que en sus virtudes y capacidades; el debate moral acompaña a todos los personajes durante todo el desarrollo, dato que nos remite al concepto de antihéroe (Don Quijote, Jack Sparrow), remarcado en la historia por el "Acta de Keene", ley que prohibe la actividad de los súper héroes debido a quejas de los ciudadanos y una huelga de policías.

El mayor atractivo de Watchmen, recae en la presencia de referencias culturales presentes en la historia, temas como la megalomania (delirio de grandeza), el maniqueísmo (supresión de cualquier nivel entre el bien y el mal) y el nihilismo (negación de cualquier dogma o creencia) estan presentes todo el tiempo. Comenzando por el título de la publicación, el cual Moore tomó de la Sátira VI del poeta romano Juvenal "quis custodiet ipsos custodes" ("quién vigila a los vigilantes") esto haciendo referencia al determinismo social resaltado en la historia en que los círculos de poder deciden quien y cómo administrará la justicia de la ciudad, en este caso Nueva York.

Dentro de la trama se hace referencia al caso real de Kitty Genovese, una mujer Neoyorquina que murió apuñalada en los 60`s frente a todos sus vecinos sin que estos hicieran absolutamente nada, lo que dio paso a la teoría psicológica conocida como "el efecto espectador", el cual relata Rorschach (Un enmascarado que no tiene escrúpulos para castigar el crimen) durante el desarrollo.

En fin, la historia resulta ser bastante compleja para el lector común, el mismo Moore anunció que Watchmen fue escrita para comprenderse después de varias lecturas. Terry Gilliam (Brazil, Twelve Monkeys) rechazó dirigir una posible adaptación ya hace tiempo debido a la misma complejidad de la trama. En 2006 se anunció a Zack Snyder, el visionario director de 300 como encargado del proyecto que casi se queda en las latas debido al pleito entre las distribuidoras Fox y Warner que finalmente llegaron a un acuerdo en que la distribuidora en Estados Unidos sería Warner y Paramount a nivel internacional.

Snyder defendió a capa y espada el respetar el contexto original de los 80's a pesar de que se dijo la película se ambientaría en la actualidad. El director explicó que sus principales influencias en el contexto visual de la película fueron tomadas de Taxi Driver (Martin Scorsese) y Seven (David Fincher). Además, fiel al estilo de 300, Snyder recurrió al recurso de las pantallas verdes para el rodaje de las escenas en Marte y la Antártida.

Por si fuera poco, el soundtrack de la película cuenta con grandes figuras del rock como Jimmi Hendrix, Janis Joplin, Bob Dylan y una pieza instrumental de Philip Glass entre otros; el score corrió a cargo de Tyler Bates, quien ya ha colaborado antes con Snyder. Por último y agradeciendo su tiempo para leer este post, los dejo con el trailer oficial de la película.

"Él ejercicio de la autoridad es raramente aprobado moralmente por aquellas personas que no la poseen; la autoridad institucionalizada simplemente se tolera debido a su poder social"

Max Weber.

Los Porcentajes del Oscar

2009-03-01T23:31:00.008-06:00

En la pasada entrega del oscar, Meryl Streep (Doubt, Kramer vs Kramer) se quedo esperando su 3ª oscar, cifra que de los actores activos únicamente posee el maestro Jack Nicholson (Easy Rider, The Shining). Este par es a su vez la actriz y actor con más nominaciones al premio de la academia (15 y 12 respectivamente). Pero viendo las cosas desde un punto de vista más numérico Streep y Nicholson proyectan apenas para un 13.3% y 25% de efectividad, en otras palabras Jack ha ganado 3 de 12 y Meryl 2 de 15. Después del salto una lista de los actores activos con mayor efectividad en sus nominaciones (2 o más).

100% Hilary Swank, Kevin Spacey

50% Daniel Day-Lewis

40% Sean Penn, Tom Hanks, Denzel Washington

33% Maggie Smith, Tommy Lee Jones, Helen Mirren, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Alan Arkin, Renee Zellweger, Kathy Bates, Geoffrey Rush,; Julia Roberts, Russell Crowe

28.5% Michael Caine

25% Jack Nicholson, Julie Christie, Cate Blanchett, William Hurt, Frances McDormand, Morgan Freeman, Ben Kingsley, Diane Keaton, Holly Hunter, Jon Voight

16.6% Judi Dench, Kate Winslet, Sissy Spacek, Ellen Burstyn

13.3% Meryl Streep

Así es, Hillary Swank (Boys don't cry, Million Dollar Baby) y Kevin Spacey (The Usual Suspects, American Beauty) son los más efectivos con más de una nominación a la estatuilla, quienes por muchos podrían ser catalogados como actores de clase B han resultado ser bastante rentables y sobretodo ganadores.

Este ranking es basado en actores que todavía están activos en la industria, ya que Walter Brennan (The Westerner, Kentucky) ganó 3 de 4 nominaciones entre 1937 y 1941. Brennan pasóa mejor vida en 1974.

Por último no podemos olvidar a la mayor ganadora de todos los tiempos, Katharine Hepburn (The African Queen, Guess who's coming to dinner?), única en ganar 4 estatuillas (de 12 nominaciones, en la foto de arriba aparecen sus 4 estatuillas)

El otro lado de la moneda sería el caso de Peter O'Toole (Lawrence of Arabia, Beckett), quien de sus 8 nominaciones lo único que recibió fue un oscar honorario en 2003.

When You`re Strange

2009-03-01T21:03:00.003-06:00

El pasado 17 de Enero se estrenó en el festival de Sundance el documental de The Doors titulado "When You`re Strange", material que contiene imágenes nunca antes vistas de la banda de los 60's y que fue esrito y dirigido por Tom di Cillo (Living in Oblivion). Además, el tecladista Ray Manzarek, asegura que este es el documental Anti Oliver Stone (JFK, Platoon) quien en 1991 nos entregará su versión sobre la historia de la banda con una soberbia actuación de Val Kilmer (Heat, Alexander) como Morrison, pues según Manzarek, la película de Stone distorsiona la verdadera historia de la banda a conveniencia del director. En fin, cualquier material nuevo de las Puertas siempre será bienvenido entre los fans de ayer y hoy. Esperemos que este documento nos llegue a México lo antes posible, mientras tanto, aquí les dejó un trailer que encontré en Youtube.

P.D. El autor de este artículo es fanático de Oliver Stone, por lo que se da la libertad de recomendar ampliamente la versión de 1991 en caso de que por alguna muy extraña razón aún no se conozca a la banda.

The Imaginarium of Dr. Parnassus

2009-02-26T13:15:00.010-06:00

El filme póstumo de Heath Ledger, ganador del Oscar por The Dark Knight, no ha encontrado aún comprador en Estados Unidos, donde las distribuidoras temen que sea un proyecto demasiado experimental y que fracase en la taquilla, informó hoy la prensa local.

Ledger murió de una sobredosis accidental de medicamentos hace un año, cuando se encontraba a mitad de rodaje de The Imaginarium of Doctor Parnassus, a la postre su último trabajo cinematográfico.

La entrada en el proyecto de los actores Jude Law (A.I., Alfie), Colin Farrell (Minority Report, In Bruges) y Johnny Depp (Ed Wood, Donnie Brasco) para cubrir el hueco dejado por Ledger permitió finalizar una producción que, a pesar de los nombres en el reparto, no ha terminado de convencer a los promotores de la industria.

La película narra la historia de un mago viajero que ofrece a sus clientes mucho más de lo que esperan, y fue desarrollada por sellos independientes bajo la dirección del ex Monty Python, Terry Gilliam (Brazil, Twelve Monkeys).

A pesar del poder comercial actual de Ledger, los posibles distribuidores miran con recelo la futura promoción del filme, ya que temen que sea demasiado artístico para la legión de seguidores del difunto actor australiano, seducidos por su papel de Joker en la última película de la saga Batman.

No obstante, desde el pasado verano varias empresas, entre ellas Lionsgate y Overture, se han interesado en hacerse con los derechos de este filme, que se calcula costó más de $20 millones de dólares, un presupuesto medio para Hollywood.

Los analistas consideraron que podría cerrarse un trato a corto plazo con la participación de un estudio pequeño o una gran distribuidora de carácter independiente.

En lo personal la película promete muchísimo, en las primeras imágenes publicadas se puede apreciar un contexto al más puro estilo Carnivale (HBO, 2003), y si a esto le sumamos la genialidad y el toque surrealista de Gilliam además de un gran elenco, el resultado está garantizado.

La película se estrenará en Reino Unido este verano.

Don Lafontaine, the man behind the voice.

2009-02-25T13:42:00.002-06:00

El 2008 se llevó a grandes personalidades, las más sonadas Charlton Heston (Ben hur, Planet of the Apes) y Paul Newman (The Sting, Cool Hand Luke). Pero que hay de Don Lafontaine?????? quien paso a mejor vida el pasado Septiembre. Don Lafontaine parece ser un completo desconocido, pero cuando te dicen que más de la mitad de los trailers cinematográficos que has escuchado fueron narrados por él, seguramente viene a tu cabeza el: "This Summer". Esta es la historia del hombre que paso de ser el papá de todo su salón a la voz de todas las películas. Así que dejo este video como un pequeño homenaje al señor Lafontaine que en paz descanse.